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Ramones - US Festival 1982

The Who Rocks America!~ 12 17 1982

The Who - WOODSTOCK 1969 (Full Concert) 4K - REMASTERED

¿Por qué «Tommy» de The Who sigue siendo la ópera rock más importante de la historia? Consolidando a los británicos como héroes del rock de todos los tiempos, el álbum conceptual doble se lanzó el 17 de mayo de 1969. Pete Townshend ha estado obsesionado desde siempre con las historias, no solo con las canciones. A mediados de los años 60, había pocos compositores que estuvieran más interesados que el guitarrista de The Who en crear canciones que relataran un cuento corto o pintaran el retrato de un personaje. Basta escuchar esos primeros sencillos y cortes de álbumes de The Who. Muchos de ellos son historias simples de dos minutos y medio. «A Legal Matter», «Pictures of Lily», «Tattoo». Y, la más importante, «I’m a Boy» Cuando la idea de una «ópera rock» era solo un destello en los ojos de Townshend, tuvo la idea de una pieza musical más grande llamada «Quads». Se desarrollaba en un futuro en el que los padres podían seleccionar el género de sus hijos. El conflicto principal de la historia, y el que está en el corazón de «I’m a Boy», es que una pareja obtiene un niño en lugar de la niña que ordenaron. Pero hacen lo mejor que pueden con el niño no deseado. El proyecto más grande nunca se terminó. Y es posible que no se haya intentado realmente. Pero resultó en una gran porción de power pop para The Who y un éxito número 2 en el Reino Unido en 1966. Townshend siguió pensando en historias musicales que podrían expandirse más allá un sencillo de radio de éxito rápido. Cuando se necesitó material adicional para el segundo LP de su banda en 1966, escribió «A Quick One, While He’s Away» en seis partes y nueve minutos. Es el precursor más significativo de la historia del álbum de «Tommy». Un año después, The Who lanzó posiblemente el mejor álbum conceptual de la década, «The Who Sell Out». Acá no vinculó canciones por tema, sino por la idea de una transmisión de radio pirata completa con anuncios falsos tontos. Las ambiciones de Pete Townshend continuaron creciendo a medida que The Who creaban una presencia global más grande para sí mismos con el avance en EE.UU. de «I Can See for Miles» y la actuación electrizante de la banda en el Festival Pop Internacional de Monterey. La ópera rock «Tommy»lo sucedió el 23 de mayo de 1969. Para entonces, los proyectos de estudio de larga duración se estaban volviendo más importantes que el single en el mundo del rock ‘n’ roll. Gracias a los éxitos paralelos de bandas como los Beatles y los Beach Boys. Townshend quería hacer algo para capitalizar completamente el álbum como una forma de arte continua. Incluso más que en «Sell Out». También quería llegar a nuevas audiencias que no habían estado particularmente interesadas en las explosiones de «Maximum R&B» de The Who. Y sentía que la gente estaría interesada en una pieza musical más larga. Townshend se esforzó por abordar temas de espiritualidad en la música pop. Como alguien que se había convertido recientemente en seguidor de las enseñanzas del líder espiritual indio Meher Baba, Townshend buscaba una salida para explorar lo que estaba aprendiendo. Sintió que los fans del rock buscarían las mismas respuestas que él estaba buscando. «Tommy» estaría dedicado a Baba, quien murió meses antes del lanzamiento del disco. El líder de The Who ha bromeado diciendo que, en el período previo a «Tommy», hablaría sobre la noción de una ópera rock a cualquiera que quisiera escuchar. Eso incluyó al fundador de la revista Rolling Stone, Jann Wenner, quien habló largamente con el guitarrista en el verano de 1968 sobre el próximo proyecto de The Who. “Espero que el combo se llame ‘Niño sordo, mudo y ciego’. Es la historia de un niño que nace sordo, mudo y ciego y lo que le sucede a lo largo de su vida. El niño sordo, mudo y ciego es interpretado por Who, la entidad musical. Pero de lo que realmente se trata es del hecho de que debido a que el chico es ‘D, D & B’, está viendo las cosas básicamente como vibraciones que traducimos como música. Eso es realmente lo que queremos hacer. Crear esta sensación de que cuando escuchas la música, puedes volverte consciente del niño y consciente de lo que es, porque lo estamos creando mientras tocamos», dijo Townshend. A medida que Townshend exploraba su nueva espiritualidad y realizaba extensas giras con The Who, empezó a reconstruir partes de la historia de Tommy. «Sensation» se basó en una atracción sexual que tenía hacia un compañero seguidor de Baba en Australia. «Sally Simpson» vino de una fea experiencia en el camino. Otras canciones vinieron de lugares profundamente personales en la memoria de Pete Townshend. Le cedió un par de canciones al bajista John Entwistle, las cuales involucraban el abuso violento y sexual del protagonista de la historia. Townshend dijo más tarde que había sido abusado cuando era niño. Debido a que no quería lidiar con este aspecto de su pasado en ese momento, inconscientemente dejó que John escribiera esas melodías, quien escribió «Cousin Kevin» y «Fiddle About» de una manera oscuramente humorística. Cuando The Who empezó a grabar a «Tommy» a finales de 1968, la historia cobró forma. Un chico que fue testigo de una trágica muerte cuando era niño se vuelve catatónico y se vuelve sordo, mudo y ciego. Escuchamos sobre sus pruebas y tribulaciones mientras crecía, antes de que Tommy se cure con la destrucción de su imagen en un espejo. Se convierte en una celebridad mesiánica que es adorado por hordas de seguidores hasta que empieza a predicar sobre la vida sencilla. Rechazan a Tommy, que retrocede a su mundo interior. Sintiendo que había capturado la mayor parte de lo que estaba sucediendo en su cabeza, Pete Townshend reprodujo una versión preliminar del LP para el crítico Nik Cohn, quien no quedó tan impresionado con el alcance de Tommy. Los dos discutieron la reacción de Cohn y concluyeron que las graves tragedias de la historia podrían aligerarse con la presencia de una melodía más alegre. Sabiendo que Cohn era un entusiasta del pinball, el guitarrista sugirió que Tommy podría ser un maestro místico del pinball. Townshend escribió apresuradamente «Pinball Wizard» y The Who la grabaron en el invierno de 1969. La colocaron en medio de la cara tres y Cohn ahora llamó a Tommy «una obra maestra». Otros críticos se sintieron igualmente atraídos por «Tommy», prodigando elogios al álbum doble como un gran avance para The Who y como uno de los discos más atrevidos del rock ‘n’ roll. El proyecto introdujo a la banda a un nuevo nivel de superestrellato, ya que «Pinball Wizard» se convirtió en un sencillo de éxito y The Who salieron de gira para presentaciones maratónicas de (la mayoría de) «Tommy» junto con otros elementos básicos en vivo. Como cantante principal, Roger Daltrey se convirtió en Tommy para el público, especialmente en la aparición de la banda en Woodstock, ampliamente vista y con muchos flecos. Daltrey descubrió una voz nueva y más potente en las actuaciones de Tommy en «Live at the Isle of Wight» o «Live at Leeds». Dejó de intentar cantar como el Townshend de voz alta y encontró un sonido más bajo y completo que se convirtió en su tarjeta de presentación. Por supuesto, la historia de «Tommy» no termina acá. En 1972 hubo una grabación orquestal estelar y, en 1975, se convirtió en una película surrealista dirigida por Ken Russell y protagonizada por Daltrey, el resto de The Who, Tina Turner, Eric Clapton y Elton John. Se reunieron elencos de estrellas para las presentaciones de reunión de Who en 1989 en Nueva York y Los Ángeles. The Who’s Tommy se convirtió en un musical de Broadway ganador de un premio Tony en 1993. Pese a todo, el álbum original siguió siendo una piedra angular de la cultura rock como la ópera rock más famosa de la música. También es uno de los álbumes de mayor éxito comercial de The Who, con más de 20 millones de copias vendidas. Si la reputación de «Tommy» desde entonces ha sido degradada de «obra maestra» (debido a las pretensiones de Pete o algunas canciones tontas que conectan la trama), es en parte porque Townshend se superó a sí mismo en 1973 con la «Quadrophenia» más sustancial de The Who. Una ópera rock nunca es suficiente.

Slipknot - Duality [OFFICIAL VIDEO] [HD]

La trágica historia del bajista que desafió la velocidad del nu metal Proveniente de Iowa y fundador de uno de los nombres más fuertes del genero, el músico siempre destacó por su originalidad en las 4 cuerdas. El 24 de mayo de 2010, el mundo del metal recibió uno de los impactos más dolorosos de su historia reciente. En una habitación de hotel en Urbandale, Iowa, se apagaba la vida de Paul Gray, el legendario bajista, cofundador y alma de Slipknot. Hoy, a exactamente 16 años de su trágica partida, en La Radio del Rock recordamos al hombre detrás de la máscara del cerdo. Además, recordamos al compositor brillante que no solo ayudó a cimentar las bases del nu metal. También funcionó como el pegamento humano que mantuvo unida a una de las bandas más caóticas del planeta. El camino hacia Des Moines Nacido en Los Ángeles, California, la infancia de Paul Gray estuvo marcada por mudanzas y una temprana búsqueda de identidad que encontró su refugio definitivo en la música. Si bien creció rodeado de diversas influencias, fue tras asentarse en Des Moines, Iowa. Ahí su relación con el bajo se transformó en una obsesión y una vía de escape. En una escena local pequeña pero competitiva, Gray comenzó a destacar rápidamente por su versatilidad y su oído para las estructuras pesadas. Su naturaleza apasionada lo llevó a cruzar caminos con el percusionista Shawn «Clown» Crahan y el baterista Joey Jordison. Juntos, a mediados de los años 90, comenzaron a idear un proyecto que desafiaría todos los límites visuales y sonoros de la época. Nacía la maquinaria del nu metal, Slipknot. La consolidación con Slipknot Paul Gray fue parte activa y fundamental en la creación de la agrupación desde sus cimientos. Tras años de experimentar con su sonido y su perturbadora estética de uniformes y máscaras, el grupo dio el gran golpe con el lanzamiento de su álbum homónimo en 1999. Aquella placa fue un terremoto para la industria musical. Por lo tanto, catapultó a nueve desconocidos de Iowa hacia el estrellato global. Gray, bajo el alias de #2, se convirtió en una fuerza motriz indomable sobre el escenario y en el estudio. Participó activamente en la composición y el desarrollo de la identidad de la banda en sus trabajos más icónicos: el brutal Iowa (2001), el experimental Vol. 3: (The Subliminal Verses) (2004) y el galardonado All Hope Is Gone (2008). Su estilo para tocar el bajo —siendo zurdo y utilizando afinaciones extremadamente bajas— le otorgó a Slipknot esa pared de sonido densa, percusiva y asfixiante. Este sonido los diferenciaba de cualquier otra banda de la época. Sus composiciones más destacadas Aunque a menudo los ojos del público se posaban en los vocalistas o percusionistas, la comunidad musical sabía que Paul Gray era uno de los principales compositores melódicos y rítmicos del grupo. Junto a Joey Jordison, Gray pasaba horas estructurando los riffs y las transiciones. De esa manera, le daban sentido a la furia de Slipknot. Su genialidad quedó plasmada en canciones que hoy son himnos del metal: «Surfacing»: Uno de los cortes más viscerales del debut de 1999, donde su línea de bajo sostiene la tensión destructiva del track. «Duality»: El éxito masivo de Vol. 3, donde Gray demostró su capacidad para equilibrar la agresión pesada con ganchos melódicos memorables y accesibles para la radio. «Vermilion»: Una pieza oscura y psicológica que expone su sensibilidad artística y su gusto por las atmósferas complejas. «Psychosocial»: Del álbum All Hope Is Gone, donde su trabajo en las frecuencias bajas se acopló a la perfección con la pirotecnia de las guitarras para entregar un riff que definió la era moderna de la banda. La hermandad con Corey Taylor y la herida de 2010 Más allá de la música y el nu metal, Paul Gray era reconocido por ser una persona noble, accesible y el principal pacificador dentro de un colectivo de músicos propenso a los conflictos internos. Asimismo, desarrolló una amistad profunda y fraternal con el vocalista Corey Taylor. Este siempre lo vio como un hermano de armas y un pilar emocional. Su fallecimiento en 2010 a los 38 años destruyó el ecosistema de la banda. El dolor fue tan devastador que provocó un prolongado hiatus en las actividades de la agrupación. La tragedia alteró el destino de Slipknot para siempre y abrió heridas profundas. A la larga, también influirían en la posterior y dolorosa salida del icónico baterista Joey Jordison. Por lo tanto, la pérdida del núcleo rítmico original dejó una cicatriz imborrable en el seno del grupo. «.5: The Gray Chapter» y su legado Tras años de luto y de procesar el vacío, la banda liderada por Corey Taylor decidió regresar al estudio para canalizar su dolor de la única forma que sabían hacerlo. El resultado fue el LP de 2014, cuyo título fue un tributo directo, explícito y lleno de amor hacia su compañero caído: «.5: The Gray Chapter». El álbum es una carta de despedida y un exorcismo emocional. Canciones como «XIX» (que abre el disco con una atmósfera fúnebre y desgarradora) y «Goodbye» fueron compuestas por Taylor dedicadas íntegramente a la memoria de Paul. Así, reviven los sentimientos del día en que el grupo se enteró de su partida. A 16 años de su muerte, el legado de Paul Gray sigue intacto cada vez que el «Inner Sanctum» de Slipknot ruge en un parlante. No solo dejó una escuela para los bajistas del nu metal. Además, demostró que, detrás de las máscaras más aterradoras y el ruido más ensordecedor, a veces se esconde el corazón más puro de la música. https://www.futuro.cl/2026/05/death-estas-son-sus-10-canciones-indispensables-segun-futuro/amp/ https://www.exploredplanet.com/history/figuras-historicas-fascinantes-de-las-cuales-somos-afortunados-de-tener-fotografias-2/?utm_source=tb&utm_medium=grupoprisa-futurocl-tb&utm_content=4263727397&utm_campaign=49048451-tb&utm_cpc=m7Or4rSqAPvApzyJT3_IeAccDTMx1B-rmHNLEMr_gI4=&utm_term=-&tblci=GiAbs2vw_U1U_REUtOtU0JHnkuid2RTeJ6vw-v--ari-tyD6lksopciXuJT9mcQhMIjsZA

Paul McCartney & Wings - Venus And Mars/Rock Show (Audio)

51 años de un enigma musical: El imperfecto pero brillante álbum que demostró que había vida después de la separación más famosa del rock Un día como hoy, el 27 de mayo de 1975, nacía un álbum tan disparejo como adictivo que marcó el destino de una leyenda del rock. Paul McCartney logró un hito que definió su carrera como solista con un LP de Wings poblado de delicias en miniatura y extravagancias que distraen. «Venus and Mars» se lanzó el 27 de mayo de 1975. Y sigue siendo un artefacto amable de una época de profunda domesticidad para McCartney, una era en la que, probablemente, en parte, debido al éxito que rodeó al disco multiplatino «Band on the Run», finalmente parecía libre del peso de su fama de los Beatles. Pero como con cualquier cosa tan pequeña y hogareña, parte del disco fracasa. Algo de eso es simplemente tonto (como «Magneto and Titanium Man»). Pero la mayor parte de «Venus and Mars» de Wings (y su sucesor de 1976, «Wings At the Speed of Sound», para el caso) encuentra un camino, obstinadamente, tal vez inexplicablemente, en el corazón de cualquier amante de la música pop. Un Wings estabilizado, que presentaría la misma alineación en álbumes consecutivos por primera vez, se sincronizó con una vida familiar ya acogedora para bañarlo todo con este brillo cálido y acogedor. Probalemente sea la manera en que McCartney teje un tema de ciencia ficción anticuado en «Venus and Mars», o la premisa suelta de un día en la casa de campo en «Wings At the Speed of Sound». O quizás sea solo Macca siendo Macca. «Venus and Mars puede ser tan atractivo y desconcertante como su inquieto creador. Y a veces, como con «Listen To What The Man Said», pasa todo esto a la vez. El mayor éxito en «Venus and Mars», tiende a ser esposado para una elegancia manifiesta, pero hay que escuchar más atentamente. El corte está lleno de delicias particulares. La firma de la trompeta, el bajo funky, un giro del ex guitarrista de Traffic Dave Mason. McCartney encuentra la manera de hacer que las cosas valgan la pena. Incluso si es puramente casual. «Esta era una de las canciones en las que teníamos esperanzas. Siempre que lo tocaba en el piano, la gente decía ‘Oh, me gusta ese’. Pero cuando hicimos la pista de acompañamiento, pensamos que en realidad no lo conseguimos. Alguien dijo [el famoso músico de jazz] ‘Tom Scott vive cerca de aquí’. Dijimos, sí, pégale un llamado, mira si aparece, ¡y apareció en media hora! Ahí estaba, con su saxo, y se sentó en el estudio tocando. El ingeniero lo estaba grabando. Registramos todas las notas que estaba tocando casualmente. Entró y dije ‘Creo que eso es todo’. Él dijo ‘¿Grabaste eso?’ Dije que sí, y lo escuchamos de nuevo. Nadie podía creerlo, así que salió y probó algunos más, pero no fueron tan buenos. Había tenido toda la caída en esta primera toma, la primera toma», admitió McCartney en una entrevista de 1975. Personalmente contento pero aún infinitamente creativo, Paul McCartney era incapaz de hacer un álbum completamente poco interesante. Incluso cuando pone su mirada mucho más baja que cualquier otra cosa en «Band on the Run», y mucho menos en sus triunfos del final de los Beatles. En última instancia, Macca no había salido de esa asociación listo para hacer declaraciones audaces y, como tal, no se encontró probando tantas personas como su ex socio John Lennon. En cambio, McCartney afinó y pulió el que ya tenía: maestro compositor, arreglista y productor en una vertiginosa, a veces francamente confusa variedad de estilos de música de éxito, con un trabajo a tiempo parcial como astuto curador de música pop, como con la retro para entonces «You Gave Me The Answer». Puede ser demasiado bello al medio (la combinación temática de la telenovela de ancianos de «Treat Her Gently/Lonely Old People» y «Crossroads Theme»). Otras veces puede parecer bastante provinciano («Love in Song»). Sin embargo, frustrará las expectativas, mientras muestra el mismo encanto astuto. En otras secciones de «Venus and Mars», Macca siguió siendo capaz de crear con la misma pasión y enfoque que se encuentra en «Band on the Run». Explora una oscuridad en clave menor con «Letting Go» y crea «Call Me Back Again» como un corte profundo hirviente y conmovedor, tal vez la mejor canción de Wings que nunca hayas escuchado. En cuanto al resto, McCartney indicó en ese momento que «Venus and Mars» encajó en su punto, comenzando por el título. «Cuando tuvimos una fiesta en EE.UU. para celebrar haber terminado el disco, alguien se acercó a nosotros y nos dijo ‘Hola, Venus. Hola, Marte’. Pensé, ‘Oh, no’. Cuando escribo canciones, no necesariamente estoy hablando de mí, aunque los psicoanalistas dirían ‘Claro que sí, amigo’. Pero en lo que a mí respecta, no lo hago. Ni siquiera sabía que eran nuestros planetas vecinos. Solo pensé en nombrar dos planetas. ¿Cuáles fueron los primeros que me vinieron a la mente? Júpiter, no, eso no encaja. Saturno, no. Venus y Marte, eso es genial, solo los pondré. Más tarde, resulta que acaban de hacer un eclipse, Venus y Marte se han alineado para la primera vez en algo así como mil años. Yo tampoco sabía que eran los dioses del amor y la guerra», dijo McCartney. Sin embargo, con la distancia de medio siglo, se puede concluir que el irregular «Venus yand Mars» podría haberse alineado de manera muy diferente. En algunos casos, hubo mejores canciones del mismo período que se lanzaron como parte de singles independientes. Después, adjunta a las reediciones de «Venus and Mars», «Junior’s Farm» fue un toque crujiente, mientras que «My Carnival» se entregó a una diversión abierta de segunda línea. El primero, en particular, habría agregado un borde más filoso al álbum; se convirtió en el séptimo éxito consecutivo en el Top 10 de Wings. Mientras tanto, «My Carnival», originalmente escondido como cara B de la inminente olvidable «Spies Like Us» 10 años después, una vez más ilustra la habilidad camaleónica de McCartney para absorber diferentes estilos y hacerlos propios. ¿Entonces qué pasó acá? Puede que simplemente haya habido un tema con el espacio. Después de todo, «Venus and Mars» comienza un período en el que McCartney mostró una insistencia bastante pintoresca en compartir el centro de atención. Adoptó un enfoque democrático tanto en «Venus and Mars» como en «Wings At the Speed of Sound», permitiendo a los demás integrantes de Wings un número sin precedentes de voces principales, con miras a ilustrar que se trataba de una verdadera banda. A veces funciona, como continuación de un tema, y otras veces no. Por ejemplo, darles a Joe English y Linda McCartney el micrófono parece descaradamente absurdo visto en perspectiva. Sin embargo, incluso aquí, de alguna manera las cosas funcionan para McCartney. El difunto Jimmy McCullough se sostiene valientemente con «Medicine Jar» y, lo que es más importante, «Venus and Mars» finalmente permitió que el criminalmente infrautilizado Denny Laine brillara (comenzando con un momento de rock espeluznante en «Spirits of Ancient Egypt»). La presencia de Denny Laine demostró ser de vital importancia, y no solo porque fue capaz de compensar con creces los pasos en falso que puedan haber seguido de alguien en Wings que no se llame Paul. La banda, a pesar de la atmósfera decididamente familiar de este período, casi se desintegraría antes del «London Town» de 1978, y fue Laine quien ayudó a los McCartney a reconstruirse una vez más.